Maria Della Costa

Maria Della Costa (Gentile Maria Marchioro Della Costa Poloni), atriz, modelo, produtora e empresária, nasceu em Flores da Cunha, RS, em 1/1/1926. Filha de agricultores originários da cidade italiana de Veneza, aos 14 anos, é lançada como modelo pelo empresário Justino Martins, da revista Globo de Porto Alegre.

Já no Rio de Janeiro estréia como show-girl no Cassino Copacabana. Em 1944, estréia no teatro em A Moreninha, de Joaquim Manuel de Macedo. Em seguida vai para Portugal estudar arte dramática com a atriz Palmira Bastos, no Conservatório de Lisboa.

De volta ao Brasil, passa a fazer parte do grupo Os Comediantes e participa de espetáculos como: Rainha Morta, de Henry de Montherlant (1946); em 1947, Terras do Sem Fim, de Jorge Amado; Vestido de Noiva, de Nelson Rodrigues; e Não Sou Eu, de Edgard da Rocha Miranda.

Funda em 1948, junto com seu marido, o ator Sandro Polloni, o Teatro Popular de Arte, e estréia a peça Anjo Negro, de Nelson Rodrigues, no Teatro Fênix, Rio de Janeiro.

Em 1954 inaugura sua própria casa de espetáculos, o Teatro Maria Della Costa, em São Paulo, projetado por Oscar Niemeyer e Lúcio Costa. Sandro Polloni, à frente da casa, cria um repertório considerado um dos melhores do teatro brasileiro. Montagens como Tobacco Road, de Erskine Caldwell e Jack Kirkland (1948), A Prostituta Respeitosa, de Sartre (1948), Com a Pulga Atrás da Orelha, de Feydeau (1955), A Moratória, de Jorge Andrade (1955), Rosa Tatuada, de Tennessee Williams (1956), e A Alma Boa de Setsuan, de Brecht (1958), marcam essa fase.

A Companhia segue por uma excursão pela Europa e em 1963 lotam por 45 dias casas de espetáculos em Buenos Aires. Ao visitar Nova York conhece o autor Arthur Miller e dele traz, para comemorar os dez anos de seu teatro (1964), a famosa peça Depois da Queda, dirigida por Flávio Rangel. Com esse mesmo diretor faz também os espetáculos Homens de Papel, de Plínio Marcos (1967), Tudo no Jardim, de Edward Albee (1968), entre outros.

No cinema atuou em diversos filmes: O Cavalo 13 (1946) e O Malandro e a Grã-fina (1947), ambos sob a direção de Luiz de Barros; Inocência (1949); Caminhos do Sul (1949); e Moral em Concordata (1959). É dirigida pelo italiano Camillo Mastrocinque no premiado Areião (1952), produção da Maristela Filmes. Já na televisão teve pouca participação: fez a novela Beto Rockfeller, na TV Tupi, em 1968, e na TV Globo atuou em Estúpido Cupido (1976) e Te contei? (1978).

Em São Paulo, no bairro da Bela Vista, foi fundado em 1954 um teatro que leva seu nome. Nos palcos do Teatro Maria Della Costa passaram os melhores atores e atrizes do teatro brasileiro, bem como importantes cenógrafos, como Gianni Ratto e Franco Zampari.

A atriz foi imortalizada em obras de alguns dos mais representativos nomes das artes plásticas do Brasil. Além de duas esculturas de Vitor Brecheret, foi retratada por Di Cavalcanti, Flávio de Carvalho, Djanira, Guanabarino e Noêmia Cavalcanti.

Em 1992, deixou os palcos para administrar seu hotel, o Coxixo, na cidade histórica de Paraty (RJ).

Fontes: Wikipedia; UOL Biografia - Maria Della Costa.

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Margarida Max

Margarida Max

No fastígio do Teatro de Revista do Rio de Janeiro, uma linda mulher de sua voz e de sua beleza, para prestigiar a Música Popular Brasileira, nos espetáculos em que estrelava. Era no palco que se tornava rainha.

A partir de 1920, até meados dos anos 40, uma moreninha paulista, de olhos tentadores, que a lenda garantia ter nascido em Roma e se apaixonado pelo Brasil, foi uma das figuras femininas mais importantes do teatro de revista nacional.

Filha de italianos, nascida em São Paulo e criada em Franca, onde era conhecida como a Margarida do Max, nome de um eterno noivo, rompeu com a cidade e o noivado ao se tornar atriz de uma companhia itinerante que por lá passou.

Margarida Max em 1927

No Rio de Janeiro, adere ao teatro de revista, no qual se torna uma de suas principais vedetes, estrela de grandes montagens, cercada de nomes que ficariam célebres. Sílvio Caldas, Joraci Camargo, Luiz Iglésias, Luiz Peixoto, Olegário Mariano, Vicente Celestino, Otília Amorim, Viriato Correia, Mesquitinha, OduvaldoViana, Palmeirim e tantos outros.

Como as demais prima-donas do teatro de revista, Margarida Max lançava músicas, ficando famosa sua interpretação do samba Braço de Cera, de Nestor Brandão. Mas seu grande êxito foi na revista Brasil do Amor, de 1931, quando lança a versão definitiva de No Rancho Fundo, de Ary Barroso e Lamartine Babo. Um sucesso nacional, que saltou do palco da revista para ser cantado pelo Brasil inteiro.

Margarida não teve carreira longa, morreu aos 54 anos, já retirada. Mas antes viveu anos de glória, como uma das mulheres mais cobiçadas da época.

Fonte: História do Samba - Editora Globo

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Debra Paget

Debra Paget, atriz, nasceu em Denver, Colorado, EUA, em 19 de agosto de 1933. Filha de pais artistas, Debralee Griffin (nome verdadeiro) começou a se apresentar aos três anos de idade.

Em 1940, aos sete anos, mudou com a família para Los Angeles, onde aos oito fez seu primeiro trabalho profissional. Seu nome verdadeiro foi mudado para "Debra Paget", em homenagem a seus ancestrais Lord e Lady Paget, da Inglaterra.

Popularizou-se com o filme “A Princesa do Nilo” (1954), ocasião em que a 20th Century-Fox recebia tanta correspondência para ela quanto para Marilyn Monroe.

Debra Paget - Bird of Paradise, 1951

Casou-se em 1958 com o ator/cantor David Street, num casamento que durou somente três meses. Em 1960 casou novamente, desta feita com Budd Boetticher, influente diretor de cinema, união de apenas 22 dias, sendo o divórcio oficializado em 1961. Boetticher alegou tempos depois que o fracasso do casamento se deveu a inúmeras dificuldades que ele encontrou quando foi para o México fazer um filme sobre a vida do seu amigo, o lendário Carlos Arruza.

Em 1955 fez muito sucesso como no filme “Os Dez mandamentos” e em 1956 como protagonista em “Love me tender”, ao lado do então estreante em cinema Elvis Presley.

Abandonou a carreira em 1964 dois anos depois de um novo casamento, agora com o chinês-americano Louis C. Kung (sobrinho de Madame Chiang Kai-Shek), um bem sucedido empresário do ramo de petróleo com o qual teve um filho. Divorciaram-se em 1980.

Em 1987, o Fundo para filmes de TV e cinema presenteou Debra com o prêmio Golden Boot por sua contribuição ao desenvolvimento e preservação da tradição dos faroestes tanto em filmes para cinema como para TV. Atualmente Debra Paget mora em Houston, Texas (USA).

A Princesa do Nilo - Princess of the Nile (1954)

Filmes

The Haunted Palace (1963)
Tales of Terror (1962)

I masnadieri (1961)
Most Dangerous Man Alive (1961)
Il sepolcro dei re (1960)
Why Must I Die? (1960)
Das indische Grabmal (1959)
Der Tiger von Eschnapur (1959)
Journey to the Lost City (1959)
From the Earth to the Moon (1958)
Omar Khayyam (1957)
The River's Edge (1957)
Love Me Tender (1956)
The Ten Commandments (1956) 
The Last Hunt (1956)
Seven Angry Men (1955)
White Feather (1955)
The Gambler from Natchez (1954)
Demetrius and the Gladiators (1954) 
Princess of the Nile (1954)
Prince Valiant (1954) 
Stars and Stripes Forever (1952)
Les miserables (1952) 
Belles on Their Toes (1952)
Anne of the Indies (1951)
Bird of Paradise (1951)
Fourteen Hours (1951)
Broken Arrow (1950)
House of Strangers (1949)
It Happens Every Spring (1949)
Mother Is a Freshman (1949)
Cry of the City (1948)

Fontes: Wikipedia; Cinema Clássico; Mais ou Menos Nostalgia.

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Catherine Deneuve, a "Bela da Tarde"

Catherine Deneuve, atriz (Catherine Fabienne Dorléac), nasceu em Paris, França, em 22 de outubro de 1943. É considerada um modelo de elegância e beleza gálica e uma das mais respeitadas atrizes do cinema francês e mundial.

Filha do ator de teatro e cinema Maurice Dorleác e irmã da também atriz Françoise Dorléac, Deneuve estreou no cinema aos 13 anos, em 1956, e durante a adolescência trabalhou em diversos pequenos filmes com o diretor Roger Vadim até chegar ao estrelato mundial em 1964, em "Os Guarda Chuvas do Amor", do diretor Jacques Demy.

Nos anos 1960, Deneuve fez a reputação de símbolo sexual frio e inacessível através de filmes em que interpretava donzelas lindas e frígidas como "A Bela da Tarde" de Luis Buñuel e "Repulsa ao Sexo" de Roman Polanski.

Repulsa ao Sexo - 1965

Descoberta por Roger Vadim, (também descobridor de Brigitte Bardot e responsável pela transformação de Jane Fonda em símbolo sexual com o filme "Barbarella") com quem teve um relacionamento amoroso e um filho (Christian Vadim), Deneuve foi casada com o famoso fotógrafo de moda londrino David Bailey (em quem o diretor italiano Michelangelo Antonioni se basearia para criar o principal personagem na sua obra-prima cinematográfica "Blow-Up"), e após o fim do casamento, envolveu-se com o ator italiano Marcello Mastroianni, com quem teve uma filha, Chiara Mastroianni, em 1972.

Durante os anos 1960 e 70, Catherine Deneuve teve uma rica carreira cinematográfica, estrelando filmes de sucesso internacional como "A Sereia do Mississipi", "Mayerling", "Tristana", "Pele de Asno", entre outros, que além de a afirmarem como a grande estrela do cinema europeu da época, a transformaram no sinônimo de beleza francesa, fazendo dela a musa da alta costura da França, principalmente do estilista Yves Saint Laurent e o rosto dos perfumes Chanel (o

Les Colegiénnes - 1957

Chanel Nº 5, ligado a seu rosto e sua imagem, foi o mais vendido e famoso perfume do mundo por mais de duas décadas), levando-a a substituir Brigitte Bardot como a efígie de Marianne, a figura feminina oficial da República da França, estampada em selos e moedas do país.

Nos anos 1980, Deneuve continuou fazendo trabalhos importantes em "O Último Metrô" de François Truffaut e "Fome de Viver", de Tony Scott, junto com Susan Sarandon e David Bowie, no papel de uma vampira gótica e bissexual, que a transformaria num ícone de lésbicas, gays, góticos e novos artistas da década de 1980.

Deneuve sobreviveu como ícone do cinema nos anos 1990, recebendo seu segundo César (o maior prêmio do cinema francês) e uma indicação ao Oscar de melhor atriz pelo filme "Indochina", de 1992, que naquele ano ganharia o Oscar de melhor filme estrangeiro da Academia de Hollywood. Seus últimos filmes de sucesso mundial foram "Dançando no Escuro", de Lars Von Trier, com a cantora e atriz islandesa Bjork, Palma de Ouro no Festival de Cinema de Cannes em 2000 e "8 Mulheres", de 2002, ao lado de algumas das maiores atrizes francesas como Fanny Ardant e Emmanuelle Béart.

Catherine Deneuve - Taiti, 1966.

Filmes

2010 Potiche - Esposa Troféu (Potiche)
2010 Potiche
2009 Diário Perdido (Mére et Filles/Hidden Diary)
2008 As Praias de Agnes (Les Plages d'Agnès)
2008 Um Conto de Natal (Un Conte de Noël)
2008 Mes stars et moi
2008 Je veux voir

2007 Frühstück mit einer unbekannten (TV)
2007 Persépolis (Persepolis)
2007 Après lui
2006 Le héros de la famille
2006 Le concile de Pierre
2005 Palais royal!
2004 Les temps qui changent
2004 Reis e Rainha (Róis et Reine)
2004 Princesse Marie (TV)
2003 Um filme falado (Um filme falado)
2003 Ligações Perigosas (Les Liaisons Dangereuses)
2002 Au plus près du paradis
2002 8 Mulheres (8 Femmes)
2001 A Vingança do Mosqueteiro (The Musketeer)
2001 Le petit poucet
2001 Absolutamente fabulosas (Absolument fabuleux)
2001 Ja rentre à la maison
2000 Dançando no Escuro (Dancer In The Dark)
1999 Leste/Oeste - O Amor no Exílio (Est-ouest)
1999 O tempo redescoberto (Le temps retrouvé)
1999 Pola X
1999 Belle maman
1999 Le vent de la nuit
1998 Place Vendôme (Place Vendome)
1997 Genealogias de um crime (Généalogies d'un crime)
1996 L'inconnu
1996 Os ladrões (Les voleurs)
1995 O convento (O convento)
1995 As cento e uma noites (Les cent et une nuits)
1994 La partie d'échecs
1993 Les Demoiselles ont eu 25 ans
1993 Minha estação preferida (Ma saisón préférée)
1992 Indochina (Indochine)
1991 Contre l'oubli
1991 La reine blanche
1989 Frames from the edge
1988 Fréquence meurtre
1988 Drôle d'entroit pour une recontre
1987 Agent trouble
1986 Le lieu du crime
1985 Tomara que seja mulher (Speriamo che sia femmina)
1984 Letra e música (Paroles et musique)
1984 Forte Saganne (Fort Saganne)
1984 Le bon plaisir
1983 Fome de Viver (The Hunger)
1983 L'Africain
1982 Le choc
1981 Hotel das Américas (Hôtel des Ameriques)
1981 Le choix des arms
1980 Abattre
1980 O último metrô (Le dernier metro)
1980 Je vous aime
1979 A nós dois (À nous deux)
1979 Tristana (Tristana)
1979 Courage fuyons
1978 L'Argent des autres
1978 Ils sont grands, ces petits
1978 Écoute voir...
1977 Casotto
1977 Marcha ou more (March or die)
1977 Almas perdidas (Anima persa)
1976 Se tivesse que refazer tudo (Si c'était à refaire)
1975 O selvagem (Le sauvage)
1975 Crime e paixão (Hustle)
1975 A agressão (L'agression)
1974 A grande burguesia (Fatti di gente per bene)
1974 Zag (Zig zig)
1974 La femme aux bottes rouges
1974 Touche pas à la femme blanche
1973 Um homem em estado interessante
1972 Liza
1971 Expresso para Bordeaux (Un flic)
1971 Tempo de amor (Ça n'arrive qu'aux autres)
1970 Henri Langlois
1970 Pele de Asno (Peau d'Âne)
1969 A Sereia do Mississipi (La Sirène du Mississipi)
1969 Tout peut arriver
1969 Um dia em duas vidas (April fools, The)
1968 A chamada do amor (La chamade)
1968 Manon 70 (Manon 70)
1968 Mayerling
1968 Benjamin, o despertar de um jovem inocente (Benjamin)
1967 A Bela da Tarde (Belle de Jour)
1967 Duas garotas românticas (Les demoiselles de Rochefort)
1966 As criaturas (Les créatures)
1965 O canto do mundo (Le chant du monde)
1965 No amor vale tudo (Das liebeskarussell)
1965 O irresistível gozador (Un monsier du compagnie)
1965 A farsa do amor e da guerra (La vie de château)
1965 Repulsa ao Sexo (Repulsion)
1964 Caça ao homem (La chasse à l'homme)
1964 La constanza della ragione
1964 Os maiores vigaristas do mundo (Les plus belle escroqueries du monde )
1964 Os Guarda-Chuvas do Amor (Les Parapluies de Cherbourg)
1963 O homem que vendeu a Torre Eiffel (L'Homme qui vendit la Torre Eiffel)
1963 Férias portuguesas (Vacances portugaises)
1962 Et satan conduit le bal
1962 O vício e a virtude (La vice et la vertu)
1962 As parisienses (Las Parisiennes)
1961 Dossier 1413
1960 L'homme à femmes
1960 Agora ou nunca (Les petits chats)
1960 Les portes claquent
1957 Os amores de colegiais (Les Colegiénnes)

Prêmios

OSCAR
Indicação
1982 - Melhor Atriz - Indochina

BAFTA
Indicação
1967 - Melhor Atriz - A Bela da Tarde

CÉSAR
Ganhou
1980 - Melhor Atriz - O Último Metrô
1992 - Melhor Atriz - Indochina
Indicações
1975 - Melhor Atriz - O Selvagem
1981 - Melhor Atriz - Hotel das Américas
1987 - Melhor Atriz - Agent Trouble
1988 - Melhor Atriz - Drôle d'Endroit Pour Une Rencontre
1993 - Melhor Atriz - Minha Estação Preferida
1996 - Melhor Atriz - Os Ladrões
1998 - Melhor Atriz - Place Vendôme
2005 - Melhor Atriz Coadjuvante - Palais Royal!
2010 - Melhor Atriz - Potiche

EUROPEAN FILM AWARDS
2002 - Melhor Atriz - 8 Mulheres

FESTIVAL DE BERLIM
1998 - Urso de Ouro honorário
2002 - Urso de Prata de Contribuição Artística

FESTIVAL DE VENEZA
1998 - Melhor Atriz - Place Vendôme

Fontes: Adoro Cinema; Wikipedia.

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Luís Alberto de Abreu

 Luís Alberto de Abreu, dramaturgo, nasceu em São Bernardo do Campo, em 5 de março de 1952. Começou a carreira como dramaturgo e, depois, passou a escrever roteiros para cinema e TV. A partir dos anos 80, destacou-se como autor ligado ao grupo Mambembe, com as peças Foi Bom, Meu Bem? e Cala a Boca já morreu.

Em seus 28 anos de carreira, já conta com mais de 40 peças teatrais – escritas e adaptadas – em seu repertório, com destaque para a antológica Bella Ciao, as premiadas Borandá e Auto da paixão e da alegria, ambas encenadas pela Fraternal Companhia de Arte e Malas Artes; e O Livro de Jó, montada pelo Teatro da Vertigem.

Como roteirista se destacou no cinema com os filmes Maria (1985); Lila Rapper (1997), juntamente com Jean Claude-Bernardet; e os premiados Kenoma (1998) e Narradores do Vale de Javé (2000); além de Andar às Vozes (2005), juntamente com Eliane Caffé.

Já para TV, escreveu os roteiros de duas minisséries globais: Hoje é Dia de Maria (2005) e A Pedra do Reino (2006). Foi, ainda, professor de dramaturgia da Escola Livre de Teatro de Santo André por oito anos e dramaturgo residente no Centro de Pesquisa Teatral (CPT), sendo o autor de peças levadas à cena por Antunes Filho, como Rosa de Cabriúna e Xica da Silva.

O autor recebeu prêmios, como quatro prêmios da Associação Paulista de Críticos de Arte (APCA – 1980, 1982, 1985, 1996), Prêmio Mambembe do Instituto Nacional de Artes Cênicas (1982), Prêmio Molière da Companhia Air France (1982), Prêmio Estímulo de dramaturgia para desenvolver o projeto de pesquisa sobre Comédia Popular Brasileira (1994), Prêmio Mambembe (1995), Prêmio Apetesp (1995), Prêmio Panamco (2002) e Prêmio Shell (2004).

Fonte: Wikipedia.

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Barbara Bach

Barbara Bach (Barbara Goldbach), atriz e modelo, nasceu em Queens, Nova Iorque, em 27 de agosto de 1947. É mulher do ex-baterista dos Beatles, Ringo Starr.

Barbara foi um modelo internacional de sucesso nos Estados Unidos e na Europa, com capas para revistas como Elle, Vogue e Playboy.

Baseada na Europa no começo dos anos 70, com seu primeiro marido, o empresário italiano Augusto Gregorini, se lançou no cinema em 1971 com um pequeno papel no filme trash de horror-erótico italiano "La Tarantola dal ventre nero", estrelado por duas outras bond girls, Claudine Auger e Barbara Bouchet, seguindo-se a ele a participação em outros filmes menores na Itália.

Em 1975, ela se separou do marido e voltou aos Estados Unidos com os dois filhos pequenos, trabalhando novamente como modelo.

Dois anos depois conseguiu fama como a bond-girl de "007 O Espião Que Me Amava", terceiro filme da série de James Bond dos estrelados por Roger Moore e que a transformaria numa sex symbol internacional.

Cena do filme 'O homem das cavernas" (Caveman, 1980)

Em 1980 conheceu o ex-Beatle Ringo Starr durante as filmagens de "Caveman" e casou-se em abril de 1981, aparecendo nos anos seguintes em diversos videoclipes e gravações de Ringo.

Formada em psicologia pela UCLA em 1993, Barbara abandonou o cinema na metade da década de 1980, e hoje dirige uma fundação junto com o marido, a Lotus Foundation, dedicada à caridade.

Fonte: Baseado na Wikipedia.

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A divertida Lucille Ball

Lucille Ball (Lucille Désirée Ball), primeira mulher comediante da TV e figura fundamental no desenvolvimento dessa mídia, nasceu em 6 de agosto de 1911 em Jamestown, Nova York. Começou a estudar teatro aos 15 anos. Adolescente, trabalhou como modelo enquanto tentava conseguir uma vaga na Broadway.

Em 1930, participou do filme "Roman Scandals" e sua popularidade como comediante começou quando atuou com os Irmãos Marx em "Room service", em 1938 e em "The marines fly high" com Fred Astaire em 1940. Conheceu Desi Arnaz, em um set de filmagem, neste mesmo ano.

Luci e o marido Desi Arnaz

Em 1951, Lucille e seu marido cubano, Desi Arnaz (02/03/1917 - 02/12/1986), financiaram um programa-piloto para uma série cômica na televisão. A CBS gostou da idéia e concedeu à Desilu, a produtora do casal, os eventuais lucros de repetição do seriado.

Assim nas décadas seguintes o "I love Lucy" rendeu uma fortuna a seus criadores. Exportado para cerca de 80 países, até hoje esses episódios divertidíssimos são apresentados na TV.

Sempre pioneira, foi a primeira atriz a continuar a filmar os episódios de uma série de TV mesmo estando grávida. Ela convenceu os produtores a fazer com que sua personagem também engravidasse, e em 19 de janeiro de 1953 cerca de 44 milhões de espectadores acompanharam o parto de sua personagem, algumas horas depois que a atriz deu à luz ao seu filho, Desi Arnaz Junior.

Ela e Desi Arnaz se divorciaram em 1960, mas a atriz se casou dois anos depois com o também ator Gary Morton que se tornou produtor da série.

De 1962 até 1974 ela trabalhou na TV em duas séries: The Lucy Show e Here´s Lucy, ambas exibidas na CBS às segundas-feiras por 23 anos consecutivos.

Em 1985 chegou a trabalhar em séries de drama, mas no ano seguinte estava de volta à comédia na série Life with Lucy. Sua última aparição na TV foi com Bob Hope, sua contraparte masculina no show business. Juntos, eles apresentaram o Academy Awards de 1989 para jovens talentos. Ball morreu semanas depois, em 26 de abril de 1989.

Fontes: tvsinopse; Wikipedia;

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A alegre e ruiva Ann Margret

Alegre e ruiva, virou símbolo sexual de hollywood dos anos 60. Sueca, a adolescente Ann Margret cantava com uma banda quando George Burns a descobriu. Estreou nas telas em Dama por um Dia, mas foi sua tórrida aparição como cantora no Oscar de 1962 que a transformou em estrela.

Ann Margret (Ann-Margret Olsson), atriz, cantora e dançarina, nasceu em Valsjobyn, Suécia, em 28/04/1941. Mudou-se muito jovem para os EUA. Ainda adolescente, cantou em uma banda, e em uma de suas apresentações George Burns a viu e logo percebeu que ela tinha muitas possibilidades de sucesso. Foi então que a convidou para atuar em seu espetáculo, na cidade de Las Vegas.

Assim que percebeu o universo de Hollywood, Ann-Margret se sentiu fortemente atraída por este meio artístico, e em pouco tempo já estreava nas telas de cinema interpretando uma personagem inocente no filme “Dama por Um Dia”, a filha da personagem interpretada por Bette Davis.

Murderers' Row (1966)

Na glamourosa cerimônia de entrega da mais importante premiação do cinema, o Oscar, no ano de 1962, Ann-Margret fez uma aparição torrida cujo efeito foi a sua transformação em estrela, quase que imediatamente, o que lhe proporcionou um ótimo contrato de trabalho em uma série contendo seis filmes, estando incluído entre eles o filme “Adeus Amor”, de 1963.

Nas telas de cinema e mesmo fora delas Ann-Margret teve atuações marcantes, foi par de Elvis Presley no filme “Amor a Toda Felicidade”, no ano de 1964.

John Kennedy, em seu último aniversário ainda como presidente dos Estados Unidos, mereceu uma festa na qual Ann-Margret cantou especialmente para ele.

Apesar de sucesso quase que instantâneo, esta bela mulher sofreu com a própria decadência que veio quase tão rápida quanto a fama, mas ela se recuperou trabalhando como dançarina na cidade de Las Vegas.

Muitos anos depois, em 1971, Ann-Margret retorna as telas de cinema com o filme chamado “Ânsia de Amar”, que também foi determinante para lhe trazer de volta o prestígio que havia perdido. No ano de 1975 fez uma atuação bastante insinuante que lhe trouxe admiradores novos.

Em 1984 em “Uma Rua Chamada Pecado”, sua atuação também agradou muito.

The Swinger (1966)

Curiosidades

No ano de 1972 Ann-Margret foi vítima de uma queda grave, quase fatal, em um palco da cidade de Las Vegas. Deste acidente Ann-Margret ficou com lesões múltiplas.

Posteriormente teve problemas envolvendo o alcoolismo, mas apesar de todos os problemas por ela enfrentados, no ano de 1993 ela volta a brilhar no filme “Dois Velhos Rabugentos”, e mesmo aos 50 anos de idade demonstrou a todos o seu forte poder de sedução.

Filmes

Bye Bye Birdie  (1963)

•  A Handful of Beans (2010)
•  All's Faire in Love (2009)
•  The Loss of a Teardrop Diamond (2008)
•  Memory (2006)
•  The Santa Clause 3: The Escape Clause (2006)
•  The Break-Up (2006)
•  Taxi (2004)
•  A Place Called Home (2004)
•  Interstate 60: Episodes of the Road (2002)
•  A Woman's a Helluva Thing (2001)
•  Blonde (2001)
•  The Last Producer (2000)
•  Any Given Sunday (1999)
•  Happy Face Murders (1999)
•  Life of the Party: The Pamela Harriman Story (1998)
•  Blue Rodeo (1996)
•  Seduced by Madness: The Diane Borchardt Story (1996)
•  Grumpier Old Men (1995)
•  Following Her Heart (1994)
•  Nobody's Children (1994)
•  Grumpy Old Men (1993)
•  Newsies (1992)
•  Our Sons (1991)
•  A New Life (1988)
•  A Tiger's Tale (1987)
•  The Two Mrs. Grenvilles (1987)
•  52 Pick-Up (1986)
•  Twice in a Lifetime (1985)
•  A Streetcar Named Desire (1984)
•  Who Will Love My Children? (1983)
•  Lookin' to Get Out (1982)
•  I Ought to Be in Pictures (1982)
•  The Return of the Soldier (1982)
•  Middle Age Crazy (1980)
•  The Villain (1979)
•  Magic (1978)
•  The Cheap Detective (1978)
•  The Last Remake of Beau Geste (1977)
•  Joseph Andrews (1977)
•  Folies bourgeoises (1976)
•  Tommy (1975)
•  The Train Robbers (1973)
•  Un homme est mort (1972)
•  Dames at Sea (1971)
•  Carnal Knowledge - Ânsia de Amar (1971)
•  Swing Out, Sweet Land (1970)
•  C.C. and Company (1970)
•  R.P.M. (1970)
•  Rebus (1969)
•  Sette uomini e un cervello (1968)
•  Il profeta (1968)
•  Il tigre (1967)
•  Murderers' Row (1966)
•  The Swinger (1966)
•  Stagecoach (1966)
•  Made in Paris (1966)
•  The Cincinnati Kid - A mesa do diabo (1965)
•  Once a Thief - A Marca de um erro (1965)
•  Bus Riley's Back in Town (1965)
•  The Pleasure Seekers (1964)
•  Kitten with a Whip (1964)
•  Viva Las Vegas - Amor a toda velocidade (1964)
•  Bye Bye Birdie - Adeus, Amor (1963)
•  State Fair (1962)
•  Pocketful of Miracles - Dama por um dia (1961)

Fontes: Cinema Clássico, NostalgiaBR, CulturaMix.

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Leopoldo Fróes

Leopoldo Fróes (Leopoldo Constantino Fróes da Cruz), ator, compositor e teatrólogo, nasceu em Niterói-RJ, em 30/09/1882, e faleceu em Davos, Suíça, em 02/03/1932. Formado em Direito, nunca exerceu a profissão, estreando como ator, em Portugal, na peça O rei maldito, de Marcelino Mesquita. 

Retornando ao Brasil em 1908, deu início a uma longa atividade teatral como ator (em que obteve grande êxito), produtor e líder de classe.

Escreveu duas peças para o teatro musicado, Outro amor e A mimosa, de onde saiu sua famosa canção de mesmo nome, que ele próprio gravou em disco Odeon (da Casa Edison), em 1921, sua única atuação como cantor. Além disso, compôs o lundu Samba fidalgo, o one-step Aime l'amour, o choro Samba choroso (com J. F. Machado) entre outros.

Atuou também como ator cinematográfico no filme Perdida, em 1916, sob a direção de Luís de Barros, e Minha noite de núpcias, filme português produzido pela Paramount em Paris, França, em 1931, com Beatriz Costa e Estevan Amarante.

O cantor

Mimosa (canção, 1921) - Leopoldo Fróes

Mimosa !
Tão delicada e melindrosa...
Mimosa !...Mimosa!
Mimosa!
Deus que te fez assim formosa
Tens o perfume de uma rosa
Mimosa! ... Mimosa!

Quando tu passas pela estrada
Ou pela fresca madrugada
Ou pela noite enluarada
minha alma fica magoada
E o meu amor te apoteosa
Maldosa!... Mimosa!

Curiosidades

- Sempre quis dedicar-se ao teatro. Mas a família não permitia.

- Formou-se em Direito e seu pai conseguiu-lhe um cargo diplomático.

- Foi trabalhar em Paris, mas não era visto jamais na Embaixada.

- Depois, em Portugal, iniciou a carreira artística.

- Voltou ao Brasil e, em 1915, foi contratado pela Cia. de Dias Braga. Formou sua primeira empresa com a atriz Lucília Péres, de quem se separaria dois anos depois.

- Com o lançamento da comédia de Cláudio de Sousa "Flores da Sombra" (1917), Fróes possibilitou a eclosão da saga de comédia de costumes de cunho nacionalista que marcou os anos do pós-guerra.

- A partir dessa época e até meados dos anos 20, firmou-se como o mais importante ator e empresário brasileiro. Mas, contrário à instituição da SBAT, recusava-se a encenar peças de autores filiados a essa Sociedade. Foi por isso que brigou com Renato Vianna, quando este filiou-se à SBAT, estando levando com extraordinário sucesso a peça "Gigolô" (1924). Foi impedido pelo autor (com a ajuda da polícia) de continuar apresentando a obra.

- O extraordinário talento de Leopoldo Fróes servia-lhe para improvisações. Pouco ensaiava os textos e raramente os estudava. Isso ocasionou prematuro declínio em sua carreira, quando seu trabalho começou a ser comparado ao de jovens atores como Procópio Ferreira ou Jayme Costa, ficando em desfavor.

- Sentindo-se abandonado pela platéia, voltou a Portugal e trabalhou com algumas companhias.

- Estava já doente, no inverno, e fazia papel em um filme, em Paris. O esforço físico e o rigor das baixas temperaturas minaram-lhe as últimas forças. Internou-se em um sanatório na Suíça, onde veio a falecer em 1932.

- O documentário em curta-metragem A Companhia Leopoldo Fróes consta como "Filme desaparecido" na Cinemateca Brasileira

- Imprensa Animada V.2 N.029 (1942) é um filme em homenagem a ele e Apolônia Pinto, "Um reconhecimento do Governo Brasileiro aos seus filhos ilustres".

Fontes: Enciclopédia da Música Brasileira - Art Editora - PubliFolha; Instituto Moreira Salles; Meu cinema brasileiro - Leopoldo Froes.

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Lélia Abramo

Lélia Abramo, atriz, nasceu em São Paulo, SP, em 8 de fevereiro de 1911, e faleceu na mesma cidade, em 9 de abril de 2004. Intérprete de grandes recursos, envolvida em significativos movimentos a favor de um teatro culturalmente empenhado. Alia à sua atividade artística forte participação política e cultural.

Integrante da família Abramo, formada por jornalistas, pintores e críticos de arte, Lélia passa a infância em meio ao ambiente cultural, integrando grupos teatrais amadores de origem socialista.

É amiga do crítico de arte Mário Pedrosa, de quem partilha as idéias, tendo sido presa na Itália na luta contra Mussolini. De volta ao Brasil, reintegra-se ao movimento cultural, estreando profissionalmente no papel de Romana, a mãe de Eles Não Usam Black-Tie, peça de Gianfrancesco Guarnieri dirigida por José Renato, no Teatro de Arena, em 1958. Arrebata os prêmios Saci, Associação Paulista de Críticos Teatrais (APCT), e Governador do Estado de melhor atriz coadjuvante.

No ano seguinte, está em Gente como a Gente, direção de Augusto Boal, texto de Roberto Freire. Em 1960, destaca-se no papel-título de Mãe Coragem e Seus Filhos, polêmica montagem do texto de Bertolt Brecht por Alberto D'Aversa e produzida por Ruth Escobar.

No Teatro Cacilda Becker (TCB), participa de Raízes, de Arnold Wesker, direção de Antônio Abujamra; Os Rinocerontes, de Eugène Ionesco, com o comando de Walmor Chagas; e Oscar, de Claude Magnier, dirigido por Cacilda Becker, todas em 1961.

A partir de 1962, entra para o Teatro Brasileiro de Comédia (TBC), projetando-se em Yerma, de Federico García Lorca, direção de Antunes Filho, 1962; Os Ossos do Barão, encenação de Maurice Vaneau, 1963, e Vereda da Salvação, de Jorge Andrade, 1964, mais um espetáculo de Antunes.

Boas oportunidades surgem em Os Espectros, de Henrik Ibsen, com o comando de Alberto D'Aversa, em 1965; e Lisístrata, A Greve do Sexo, novamente com Vaneau, agora numa produção de Ruth Escobar, 1967. Como Clitemnestra, na montagem de Maria José de Carvalho para Agamemnon, de Ésquilo, atinge novo ponto alto na carreira, 1968/1969.

Seu perfil trágico encontra novo realce como Margarida de Anjou, personagem de Ricardo III, de William Shakespeare, na encenação de Antunes Filho de 1975. Em chave altamente dramática cria Pozzo, o patrão de Esperando Godot, de Samuel Beckett, também direção de Antunes Filho com elenco totalmente feminino que destaca Eva Wilma e Lilian Lemmertz nos papéis centrais, 1976.

Afastada dos palcos durante muitos anos, dedica-se à causas políticas e culturais, ocupando o desempenho central de A Mãe, de Máximo Gorki, encenação de João das Neves, efetivada em 1985 com alunos da CAL - Casa das Artes de Laranjeiras, escola carioca de formação de atores.

Lélia possui intensa participação no cinema, com ênfase nos filmes Vereda da Salvação, 1963, O Caso dos Irmãos Naves, 1967; Joana, a Francesa, 1972, ao lado de Jeanne Moreau; O Sonho Não Acabou, 1980; Eles Não Usam Black-Tie, 1981; e Janete, 1982.

Na televisão possui longa e profícua participação, iniciada com A Muralha,1962, ao vivo, na TV Cultura, São Paulo; prosseguindo em diversas emissoras: Prisioneiro de um Sonho, 1964-1965, na TV Record, SP; Redenção, 1966, na TV Excelsior, SP; Nossa Filha Gabriela, 1971/1972, na TV Tupi, SP; e nas produções da Rede Globo Uma Rosa Com Amor, 1972/1973, e Os Ossos do Barão, 1973/1974.

Toda essa intensa participação na vida cultural brasileira está registrada em seu livro autobiográfico, lançado em 1997, Vida e Arte, onde reuniu reflexões sobre o ofício. Analisando sua trajetória, fixa o cenógrafo Gianni Ratto: "As circunstâncias profissionais da "gens theatralis" são quase sempre imprevisíveis; no caso de Lélia, a passagem por um grupo amador de língua italiana foi indiretamente responsável pelo convite que ela recebeu para atuar em Eles Não Usam Black-Tie, de Gianfrancesco Guarnieri, interpretação que confirmou nela, revelando-o aos outros, um talento do qual nunca tinha duvidado. [...] O que me parece extraordinário em Lélia é a capacidade que ela tem de coordenar uma visão estético-crítica que sempre norteará seu trabalho com a postura sociopolítica que até hoje não a abandona, e, o que mais me surpreende, é que em todas as suas atitudes, talvez sem percebê-lo, é luminosamente suprapartidária".

Fontes: Wikipedia; Enciclopédia Itaú Cultural - Teatro.

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João Caetano

João Caetano (João Caetano dos Santos), ator e empresário teatral, nasceu em 27 de janeiro de 1808 em Itaboraí, no Rio de Janeiro. Considerado o primeiro teórico da arte dramática brasileira, é responsável pela profissionalização do teatro no país.

Começou sua carreira como amador, até que em 24 de abril de 1831 estreou como profissional na peça "O Carpinteiro da Livônia", mais tarde representada como Pedro, o Grande.

Apenas dois anos depois, João Caetano já ocupava o teatro de Niterói junto com um elenco de atores brasileiros. Assim iniciava a Companhia Nacional João Caetano.

O ator também exerceu as funções de empresário e ensaiador. Autodidata da arte dramática, seu gênero favorito era a tragédia, mas chegou a representar papéis cômicos.

Além de atuar em muitas peças, tanto no Rio como nas províncias, João Caetano publicou dois livros sobre a arte de representar: "Reflexões Dramáticas", de 1837 e "Lições Dramáticas", de 1862.

Em 1860, após uma visita ao Conservatório Real da França, João Caetano organizou no Rio uma escola de Arte Dramática, em que ensino era totalmente gratuito. Além disso, promoveu a criação de um júri dramático, para premiar a produção nacional. Dono absoluto da cena brasileira de sua época, morreu a 24 de agosto de 1863, no Rio de Janeiro.

O pesquisador J. Galante de Souza (O Teatro no Brasil, vol.1) considera que o ator, "um estudioso dos problemas da arte de representar, e dotado de verdadeira intuição artística, reformou completamente a arte dramática no Brasil".

Antes dele, a declamação era uma espécie de cantiga monótona, como uma ladainha. Ainda segundo J. Galante, "João Caetano substituiu aquela cantilena pela declamação expressiva, com inflexões e tonalidades apropriadas, ensinou a representação natural, chamou atenção para a importância da respiração e mostrou que o ator deve estudar o caráter da personagem que encarna, procurando imitar, não igualar, a natureza".

O mestre aprendiz do Teatro Brasileiro

João Caetano criou um perfil para o ator brasileiro, tendo sido um ator excepcional, dentro e fora do palco. Tornou-se um mito, um "herói cultural", através de sua dedicação e de seu trabalho. Nunca um ator foi tão biografado no Brasil como ele.

Sua carreira abria um leque muito variado de possibilidades, em um tempo onde as condições do teatro no Brasil eram muito precárias, tanto do ponto de vista do repertório, na maior parte constituído por traduções de gosto, qualidade e fidelidade duvidosos, quanto do ponto de vista da produção. Basta lembrar que o principal teatro do Rio, na época, queimou 3 vezes em 50 anos. Foi Teatro São João, depois São Pedro de Alcântara, Constitucional Fluminense e novamente São Pedro, seguindo as vicissitudes políticas do império. Foi demolido neste século para dar lugar ao atual João Caetano.

João Caetano partia do nada, quase do zero absoluto. Era um ator que começava num país que também dava os primeiros passos, onde tudo se mostrava virgem, desde o teatro até a nacionalidade. O leitor que tinha em mente devia ser sobretudo ele mesmo, já que ninguém necessitava mais de lições do que esse aprendiz improvisado em mestre.

Tinha o ator certa semelhança física com Napoleão, o que deve tê-lo ajudado na carreira, ainda que de modo secundário. De alguma forma esta parecença deveria mobilizar as imaginações de então, uma vez que a França era o modelo de civilização e história que desejamos seguir e alcançar. Foi cadete, tendo servido na guerra Cisplatina. Esta experiência em campo de batalha certamente o ajudou, de acordo com o reconhecimento de críticos seus contemporâneos, na montagem de cenas militares, que eram uma das chaves do sucesso. Além disso, sempre encarou a vida teatral como um campo de batalha, onde se lutava tanto por idéias como por espaço. Lembra o fato de que quase enforcou sua companheira de vida em cena para justificar a idéia de que o ator jamais pode se deixar levar pelo papel.

Era homem de formação e decoro clássicos. Nesses termos conseguia sua atividade como ator e suas reflexões sobre ela. Já em 1838, recebia medalha de bronze consagrando-o como o - Talma Brasileiro -, equiparando-o, portanto, a um ator da linhagem clássica. Entretanto o que encantava a platéia eram seus arroubos, tocados de entusiasmo, era, em suma, o demônio ou gênio romântico que deixava passar por entre o pretendido equilíbrio de inspiração clássica.

Foi uma espécie de factótum do teatro brasileiro. Foi ensaiador, encenador e empresário, além de ator. Na época não era muito grande o número de atores letrados. Eram poucos também os que conseguiam ter uma visão globalizante do fenômeno teatral, do texto ao palco e da bilheteria ao bastidor.

Em 1833, João Caetano já organizava sua própria companhia, constituindo com ela a primeira companhia de atores nacionais, coisa que sempre alardeou em seu estilo bastante vaidoso. Leve-se em conta que tudo era muito precário, no Brasil e no teatro. Em algumas cidades havia casas de representação sofríveis, em outras barracões ou tablados improvisados, quando muito. Nos fins do século XVIII e ainda nos começos do século XIX não era incomum os atores serem ex-escravos, dedicados, porém sem formação. Mulheres em cena eram raras, e com fama de serem libertinas, depois do edito de D. Maria I que as proibira de representar. Muitas vezes eram substituídas por atores masculinos, com resultados visíveis: conta-se de uma Julieta, em Minas Gerais, de tranças loiras e de pele escura, de voz de homem e avantajada envergadura. As montagens sucediam-se rapidamente, com peças mal traduzidas, mal ensaiadas e freqüentemente, portanto, mal representadas.

Para enfrentar esta situação, preconizava uma junção da comedie francaise com o tradicional mecenato da corte portuguesa, que D. João trouxera para o Brasil. Ele não tinha em mente em toda sua extensão, a imagem de um estado paternalista em relação às artes, imagem que depois se tornou tão comum no Brasil. Imaginava algo mais simples, um mecenato no sentido estrito, uma espécie de proteção esclarecida. Isso não era novidade no universo intelectual brasileiro.

João Caetano conseguiu concretizar em partes seu ideal de teatro. O São Pedro lhe é afinal cedido, junto com uma subvenção de, primeiro, dois contos de reis ao mês, depois três, mais tarde quatro. Dali reinou sobre a platéia mais numerosa da corte que, por ironia do destino, era, em sua maioria, de portugueses ou portugueses naturalizados.

Fontes: Interpalco; Almanaque Abril; Biografia de João Caetano - Teatro.

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Juca de Oliveira

Juca de Oliveira (José Juca de Oliveira Santos), ator e dramaturgo, nasceu em São Roque, SP, em 16/03/1935. Intérprete de marcantes intervenções, soube galvanizar a platéia com seu estilo eloqüente; tornou-se autor de costumes a partir dos anos 80, alcançando grande sucesso.

Após se formar na Escola de Arte Dramática, estreiou no Teatro Brasileiro de Comédia, sob a direção de Flávio Rangel, protagonizando A Semente, texto de Gianfrancesco Guarnieri de 1961. No mesmo ano, em A Morte de uma Caixeiro Viajante, de Arthur Miller, obteve significativa premiação.

No Arena participou de A Mandrágora, de Maquiavel, em 1963, e O Melhor Juiz, o Rei, de Lope de Vega, no mesmo ano, duas encenações de Augusto Boal. Novamente com Flávio Rangel, integrou a equipe de Depois da Queda, em 1964, outro texto de Arthur Miller protagonizado por Maria Della Costa e Paulo Autran.

Com Dois na Gangorra, de William Gibson, e A Cozinha, de Arnold Wesker, em 1968, bem-sucedida encenação de Antunes Filho, Juca alcançou expressivo reconhecimento como intérprete. O que o levou a protagonizar, em 1972, a criação de José Renato, Paulo Pontes e Milton Moraes Um Edifício Chamado 200, direção de José Renato, em que ganhou o Prêmio Molière de melhor ator e, no ano seguinte, o monólogo Corpo a Corpo, texto de Oduvaldo Vianna Filho conduzido por Antunes Filho.

Em 1975 é dirigido por Antunes Filho, em Ricardo III, de William Shakespeare; em 1977 atuou no Teatro Opinião, sob a direção de João das Neves, em Dois Perdidos numa Noite Suja, de Plínio Marcos, e em 1978 volta a parceria com o encenador Flávio Rangel em Investigação da Classe Dominante, adaptação livre do próprio Flávio do original de J. B. Priestley.

Em 1979 lançou-se como autor, escrevendo e desempenhando Baixa Sociedade. A bem-sucedida experiência volta a repetir-se pelos próximos anos, ao estrear, em 1982, Motel Paradiso; em 1987, Meno Male, Prêmio Governador do Estado de melhor autor; e Qualquer Gato Vira-Lata Tem uma Vida Sexual Mais Saudável que a Nossa, de 1990; e As Atrizes, de 1991; Caixa 2, de 1997, montagem de extremo sucesso sob a direção de Fauzi Arap. Em todas essas criações, na dupla função de ator e autor, Juca pareceu ter reservado sempre um bom papel para si mesmo, alcançando larga comunicabilidade com as platéias.

Uma pausa para uma peça de casal surgiu em 1984, com De Braços Abertos, texto sensível de Maria Adelaide Amaral que lhe valeu premiação. Sobre o trabalho de Juca e Irene Ravache, a crítica Barbara Heliodora atestou: "Dois atores de grande categoria, que dão largas à sua generosidade interpretativa e completam brilhantemente o complô para que se opere o milagre do teatro. (...) Só um altíssimo grau de profissionalismo por parte de todos os coniventes com esse brilhante e simpático espetáculo alcança esse rendimento".

Uma comédia estrangeira surgiu no currículo de Juca, em 1991: Procura-se um Tenor, de Ken Ludwig, direção de Bibi Ferreira; e um drama bem construído, A Quarta Estação, onde dividiu o palco com Denise Fraga e direção de Fauzi Arap, em 1995.

Na TV, Juca atuou em telenovelas, seriados e minisséries, com destaque para As Pupilas do Senhor Reitor, em 1995, e O Clone, em 2001.

Apreciando a trajetória de Juca de Oliveira, assim caracterizou a crítica Ilka Marinho Zanotto:

"Ver Juca de Oliveira, ator, é obrigação de todo amante de teatro. Em cena é sempre uma força cósmica que galvaniza parceiros e espectadores, esbanjando os macetes da arte de representar com tal sinceridade que diálogos e gestos parecem brotar espontâneos e instantâneos. Juca de Oliveira, autor, vem perseguindo desde a excelente Baixa Sociedade um tipo de comédia de costumes bem brasileira, com leves acentos melodramáticos, à maneira de Abílio Pereira de Almeida.

Patente a preocupação de apontar mazelas da sociedade atual, exemplificando-as em cena à minúcia, não faltando explícita a lição de moral com travo pessimista, como no caso de Motel Paradiso. Sem procurar vanguardas, exercita seu instrumento de autor nos diálogos fluentes, nas situações bem armadas, na franca comunicabilidade, na construção de personagens com profundidade e coerência psicológicas".

Fontes: Enciclopédia Itaú Cultual - Teatro; Wikipédia, a enciclopédia livre.

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Hermilo Borba Filho

Hermilo Borba Filho (Hermilo Borba Carvalho Filho), jornalista, romancista, folclorista e teatrólogo, nasceu em Palmares, PE, em 08/07/1917, e faleceu em Recife, PE, em 02/06/1976.

Começa a carreira na década de 1930, como ator, ponto, autor e diretor na Sociedade de Cultura Palmarense. Em 1936, muda-se para o Recife e trabalha como ponto do Grupo Gente Nossa - GGN, de Samuel Campêlo.

Na década de 1940, ingressa no Teatro de Amadores de Pernambuco - TAP, traduzindo peças e atuando nos espetáculos. Insatisfeito com a linha de repertório do grupo, é convidado e assume a direção artística, em 1945, do Teatro do Estudante de Pernambuco - TEP. Para a estréia escolhe as peças O Segredo, de Sender e O Urso, de Anton Tchekhov que fazem parte de um mesmo espetáculo em 1946.

Mais tarde, o TEP monta uma barraca em praça pública, onde realiza várias montagens, entre elas, as primeiras peças de Ariano Suassuna e do próprio Borba Filho.

Em 1953 muda-se para São Paulo, onde trabalha como jornalista, diretor de teatro e faz parte da Comissão Estadual de Teatro. Em 1957, recebe prêmio como diretor revelação pela Associação Paulista de Críticos Teatrais - APCT, com a peça Auto da Compadecida, de Ariano Suassuna.

Volta para o Recife, em 1958, a fim intergrar o corpo docente do curso de teatro da Universidade do Recife (atual Universidade Federal de Pernambuco - UFPE). Funda o Teatro Popular do Nordeste, em 1960, com o objetivo de abrir caminho para o "teatro de arte" em caráter profissional na região.

Nos primeiros anos da década de 1960, monta diversas peças de Ariano Suassuna, como A Pena e a Lei, A Farsa da Boa Preguiça e A Caseira e a Catarina. A primeira fase do TPN é interrompida, por razões financeiras e também políticas, em 1962, após a encenação de Município de São Silvestre, de Aristóteles Soares.

Hermilo Borba Filho funda, simultaneamente ao TPN, em 1960, o Teatro de Arena do Recife, onde encena Marido Magro, Mulher Chata, de Augusto Boal, 1960, e Eles Não Usam Black-Tie de Gianfrancesco Guarnieri, 1961.

Em 1966, retoma as atividades do TPN com O Inspetor, recriação de O Inspetor Geral, de Nicolai Gogol, a partir da teatralidade e das técnicas das festas populares nordestinas. Dirige em seguida O Santo Inquérito, de Dias Gomes, e Inimigo do Povo, de Henrik Ibsen, ambos em 1967, e Dom Quixote, de Antonio José, o Judeu, 1969. No ano seguinte, encena Cabeleira Aí Vem, de Sylvio Rabello, BUUUM, de Osman Lins e José Bezerra, Município de São Silvestre, de Aristóteles Soares, O Pagador de Promessa, de Dias Gomes, O Cabo Fanfarrão, de Hermilo Borba Filho, Antígona, de Sófocles, e Andorra, de Max Frisch.

Para contornar o déficit permanente da companhia, Borba Filho tenta atrair os operários e os estudantes, faz convênios com entidades do comércio e da indústria, mas não consegue pagar as dívidas e fecha o teatro de 90 lugares.

Em entrevista para o Serviço Nacional de Teatro - SNT, questionado sobre se algum dia ganhou dinheiro com teatro, Hermilo Borba Filho se refere à montagem de Dercy Gonçalves para sua versão de A Dama das Camélias como exemplo único, e acrescenta: "mas, de repente, verifiquei que a prostituição era muito pesada, e parei".

Entre 1959 e 1968, é diversas vezes premiado como diretor pela Associação de Críticos Teatrais de Pernambuco. Em 1969, ganha o título de Chevalier de L'Ordre des Arts et des Lettres, outorgado pelo governo da França.

Exerce atividades culturais em muitas entidades: Serviço Nacional de Teatro, Secretaria de Educação e Cultura de São Paulo, Secretaria de Educação e Cultura de Pernambuco, Escolinha de Arte do Recife, Centro Cultural Luiz Freire. Na Universidade Federal de Pernambuco, cria e ministra a cadeira de história do teatro no Curso de Arte Dramática, em 1958; funda o Movimento de Cultura Popular - MCP, com Paulo Freire, Ariano Suassuna e outros; na Universidade Federal do Rio Grande do Norte, colabora para a implantação do Curso de Teatro, em 1967; na Universidade Federal da Paraíba, ministra a disciplina de história do espetáculo; no Centro de Comunicação Social do Nordeste - Cecosne, leciona história do espetáculo. Em 1969, cria Teatroneco, dedicado ao teatro de bonecos.

Como crítico de teatro colabora, em São Paulo, para os jornais Última Hora e Correio Paulistano, além da revista Visão e, em Pernambuco, para Folha da Manhã, Jornal Pequeno, Diário da Noite, Diário de Pernambuco, Jornal do Comércio e Jornal da Cidade.

O trabalho de Hermilo Borba Filho, nos grupos que funda, é o de criar um caminho para buscar um espetáculo nordestino, com uma estética épica, baseada nos folguedos populares. Em conferências, artigos e nos diversos livros que publicou, relê as teorias universais do teatro a partir da ótica das manifestações festivas do Nordeste.

Depois de duas palestras publicadas em 1947, Teatro, Arte do Povo e Reflexões sobre a Mise en scène, escreve o primeiro manual de história do teatro editado no Brasil, História do Teatro, em 1950.

Nos anos 1960, publica, entre outros: Teoria e Prática do Teatro, 1960, Diálogo do Encenador, 1964, Espetáculos Populares do Nordeste e Fisionomia e Espírito do Mamulengo, ambos em 1966, Apresentação do Bumba-Meu-Boi, 1967, e a nova edição da História do Teatro, com o título de História do Espetáculo, 1968. Seus estudos sobre a cultura nordestina se aprofundam no período do TPN, onde ele coloca em prática a fusão entre o popular e o erudito.

Osman Lins, de quem ele encena uma peça no TPN, afirma, em artigo para a Revista de Teatro da Sociedade Brasileira dos Autores Teatrais, que em todos os cargos e funções que ocupa Hermilo Borba Filho luta pela transformação: "Há por trás de quase todos esses títulos e iniciativas um combate que passa desapercebido do público: as incompatibilidades com as funções ou o empenho no sentido de renová-las".

Em artigo para o Diário de Pernambuco, quatro anos após sua morte, Benjamin Santos, ex-integrante do TPN, escreve: "Durante a fase final de uma montagem, Hermilo já estava adaptando, traduzindo e concebendo o próximo espetáculo [...]. Outras características do TPN: revezamento de papéis importantes, divulgação do nome do grupo e não de atores isolados, formação de atores pela montagem sucessiva de espetáculos em função da estética procurada, incentivo ao estudo e à reflexão, formação de pessoal paralelo ao palco (cenógrafos, figurinistas, aderecistas...) [...]. Mais importante, porém, que todos esses aspectos encontrados é a concretização de uma estética do espetáculo. [...] Em resumo, seria um teatro com o canto, a dança, a máscara, o boneco, o bicho... uma recriação do espírito popular nordestino [...]; o homem brasileiro posto no palco com toda a sua luta, o sofrimento, a derrota, a insistência, a vitória; um teatro de intensidade emocional e crítica, um teatro vivo, aberto, sem a ilusão da quarta parede, permitindo ao público a compreensão maior de sua própria história. O teatro como um ato político e religioso a um só tempo. Esta é a busca de Hermilo [...]".

Fontes: Enciclopédia Itaú Cultural - Teatro; Enciclopédia da Música Brasileira - Art Editora e PubliFolha.

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Glória Menezes

Glória Menezes (Nilcedes Soares Magalhães Sobrinho), atriz, nasceu em Pelotas, RS, em 19 de outubro de 1934. Filha de pai maranhense e mãe gaúcha, ela se interessou cedo pelas artes, estudando piano desde pequena.

Aos 16 anos, ganhou uma bolsa de estudos para continuar sua formação musical em Paris, mas a família não concordou com a viagem. Casou-se com um primo, com quem teve dois filhos, Maria Amélia e João Paulo, e com quem viveu por oito anos.

Cursou a Escola de Arte Dramática da Universidade de São Paulo, mas não chegou a se formar. Recebia convites para atuar no circuito profissional de teatro e, em 1960, foi premiada como atriz revelação por seu papel em As Feiticeiras de Salém, de Antunes Filho. Nessa mesma época, começou na televisão, fazendo teleteatro ao vivo. Por seu papel na novela Um lugar ao Sol, de Dionísio Azevedo, recebeu o prêmio como atriz revelação também em televisão.

Em 1962, fez sua primeira e bem sucedida incursão no cinema: interpretou a personagem Rosa, no filme O Pagador de Promessas, que foi dirigido e protagonizado por Anselmo Duarte, e recebeu a Palma de Ouro no Festival de Cannes. No ano seguinte, protagonizou – ao lado de Tarcísio Meira – a primeira novela diária da televisão brasileira: 25499 Ocupado, adaptação de um roteiro argentino, transmitida ao vivo pela TV Excelsior. Durante a novela, os atores, que já haviam contracenado anteriormente em alguns teleteatros, iniciaram um romance e, em seguida, se casaram.

Ao lado de Tarcísio, Glória Menezes estrelou diversas novelas na Excelsior, como A Deusa Vencida (1965) e Almas de Pedra (1966), de Ivani Ribeiro, e O grande Segredo (1967), de Marcos Rey.

O casal foi contratado pela TV Globo em 1967, formando um par romântico na novela Sangue e Areia (1968), de Janete Clair. Ele fazia o papel do toureiro Juan Gallardo e ela era Doña Sol. Em seguida, a atriz protagonizou Passos dos Ventos (1968/1969), de Janete Clair. Desta vez, fez par romântico com o ator Carlos Alberto. Voltou a atuar ao lado de Tarcísio Meira na novela seguinte, Rosa Rebelde (1969), também de Janete Clair, na qual interpretou a líder rebelde Rosa Malena.

Em 1970, participaram da novela Irmãos Coragem, que escrita por Janete Clair e dirigida por Daniel Filho, foi um grande sucesso e apresentou Glória no papel de Lara, que protagonizava um drama psicológico: possuía três personalidades distintas. A personagem formava um par romântico com João Coragem, personagem vivido por Tarcísio Meira.

O sucesso do par romântico Glória -Tarcísio foi repetido, em seguida, na novela O homem que Deve Morrer (1971), de Janete Clair, em Cavalo de Aço (1973), de Walther Negrão, e em O semideus (1974), de Janete Clair.

Em 1975, Glória Menezes participou da novela O grito (1975), de Jorge Andrade, em que viveu a angustiada mãe de uma criança com problemas mentais. A parceria com Tarcísio Meira foi retomada, dois anos depois, em Espelho Mágico (1977), de Lauro César Muniz.

Em 1979, Glória Menezes interpretou Ana Preta na novela Pai Herói (1979), de Janete Clair. Dona de uma casa de samba, a Flor de Lys, Ana Preta vivia um triângulo amoroso com o personagem de Tony Ramos e o de Elizabeth Savalla. Em seguida, a atriz participou das novelas Jogo da Vida (1981) e Guerra dos Sexos (1983), de Silvio de Abreu.

Ainda na década de 1980, Glória Menezes participou de Corpo a Corpo (1984), de Gilberto Braga, no papel da vingativa Tereza. Em 1987, ao lado de Marília Pêra, protagonizou a novela Brega & Chique (1987), de Cassiano Gabus Mendes.

Em 1988, o casal de atores estrelou Tarcísio & Glória, seriado criado por Daniel Filho, Euclydes Marinho e Antonio Calmon. O programa inaugurou uma linha de co-produção na Rede Globo: além de atores, Tarcísio Meira e Glória Menezes eram também produtores, negociando patrocínios e merchandising e dispondo de participação nos lucros do empreendimento, inclusive nas vendas para o exterior.

Na década de 1990, Glória Menezes trabalhou em uma série de novelas do autor Silvio de Abreu, como Rainha da Sucata (1990), Deus nos Acuda (1992), A próxima Vítima (1995) e Torre de Babel (1998).

Em seguida, fez Porto dos Milagres (2001), de Aguinaldo Silva, na qual viveu a personagem Dona Coló, O Beijo do Vampiro (2002), de Antônio Calmon, no papel de Zoroastra, e Da Cor do Pecado (2004), de João Emanuel Carneiro, em que interpretou a Kiki.

Em Senhora do Destino (2004), de Aguinaldo Silva, Glória Menezes interpretou, ao lado de Raul Cortez, a Baronesa de Bonsucesso. No mesmo ano, a atriz participou ainda da minissérie Um só Coração (2004), de Maria Adelaide Amaral e Alcides Nogueira, no papel de Camila Matarazzo. Na novela Páginas da Vida (2006), de Manoel Carlos, voltou a contracenar com Tarcísio Meira, com os dois interpretando marido e mulher. Em 2008, estreou em A favorita, de João Emanuel Carneiro, no papel de Irene Fontini, mulher do industrial Gonçalo Fontini, vivido por Mauro Mendonça.

No teatro, Glória Menezes participou de peças como Aluga-se Vagas para Moças de Fino Trato (1975), com direção de Amir Haddad, Tudo Bem no Ano que Vem, de Bernard Slade, que ficou em cartaz entre 1976 e 1981, Navalha na Carne (1981), de Plínio Marcos, Um Dia Muito Especial (1988), de Ettore Scola, Pigmaleoa (1993), de Millôr Fernandes, e E continua... Tudo Bem (1996), também de Bernard Slade, entre muitas outras.

Em 2000, atuou em Jornada de um Poema, com direção de Diogo Vilela, na qual interpretou uma paciente terminal de câncer. No palco, Gloria chegou a ficar nua e raspou o cabelo.

Em 2008, estreou o espetáculo Ensina-me a Viver, onde interpretava uma mulher de 80 anos, que se envolve com um homem 60 anos mais novo.

No cinema, além de O pagador de Promessas (1962), de Anselmo Duarte, atuou em Lampião, Rei do Cangaço (1964), de Carlos Coimbra, Máscara da Traição (1969), de Roberto Pires, Independência ou Morte (1972), de Carlos Coimbra, O Descarte (1973), de Anselmo Duarte, O Caçador de Esmeraldas (1979), de Oswaldo de Oliveira, Para Viver Um Grande Amor (1984), de Miguel Faria Jr., e Se eu Fosse Você (2006), de Daniel Filho.

Fontes: Wikipedia; ClickCultural / Teatro.

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Grande Otelo

Grande Otelo, ator, humorista e cantor mineiro, é o principal ator negro de expressão internacional do país. Sebastião Bernardo da Costa (18/10/1915 - 26/11/1993), que tem o nome trocado para Sebastião Bernardes de Souza Prata, nasce em Uberlândia e desde criança gosta de circo.

Aos oito anos, é adotado pela atriz Iara Isabel Gonçalves, mãe de Abigail Parecis, jovem estrela de uma companhia mambembe, e muda-se com a nova família para o Rio de Janeiro. Aos 12, canta e interpreta Pastorelo, na ópera Tosca, no Teatro Municipal do Rio.

Foge de casa quando mãe e irmã adotivas viajam para a Itália. Passa algum tempo como menino de rua em São Paulo. É adotado pela segunda vez, por Maria Eugênia de Queirós, e começa a estudar.

Foge de novo, depois de vender um livro raro do pai adotivo para comprar um ioiô. Arranja outro tutor, Miguel Max, mas foge pela terceira vez, ansioso por voltar a morar no Rio de Janeiro.

Em 1935 é acolhido pela Companhia de Arte Jardel Jercolis, que o apresenta como "The Great Othelo", um deboche que junta o fato de ser negro, como o personagem de Shakespeare, a sua pouca estatura. Surge, então, seu nome artístico definitivo.

No mesmo ano estréia no cinema, no filme Noite Carioca, da Cinédia. Atua em mais de 140 produções, passando pelas chanchadas da Atlântida, em que forma com Oscarito a dupla mais famosa da comédia brasileira.

De 1938 a 1946 trabalha no Cassino da Urca, casa de espetáculos que marcou época no Rio de Janeiro. Torna-se uma estrela e recebe elogios de personalidades internacionais, como Josephine Baker e Sammy Davis Junior.

É convidado por Walt Disney a emprestar sua voz ao personagem de quadrinhos Zé Carioca, mas o contrato que tem com o cassino o impede. No teatro, suas peças de maior destaque de que participa são Sancho Pança e O Homem de La Mancha, em que contracena com Bibi Ferreira e Paulo Autran.

Atua em novelas, com destaque para Sinhá Moça e Uma Rosa com Amor, e tem seu último papel na TV em Renascer. Pouco depois de lançar o livro de poesias Bom Dia, Manhã, morre em Paris ao sofrer um infarto.

Principais filmes que participou

Noites Cariocas (1935), Onde estás, felicidade (1939), It’s all true (1942), Romance proibido (1944), Tristezas não pagam dívidas (1944), Segura esta mulher (1946), Este mundo é um pandeiro (1947), Carnaval no fogo (1949), Não é nada disso (1950), Aviso aos navegantes (1950), Carnaval Atlântida (1952), Amei um bicheiro (1953), Dupla do barulho (1953), Matar ou correr (1954), Malandros em quarta dimensão (1954), Rio Zona Norte (1957), De pernas pro ar (1957), Entrei de gaiato (1960), O dono da bola (1961), Assalto ao trem pagador (1962), Samba (1966), Macunaíma (1969), Se meu dólar falasse (1970), A estrela sobre (1974), A noiva da cidade (1978), Asa branca (1980), Brasa adormecida (1986), Tudo é Brasil (1997).

Fontes: Almanaque Abril; Grande Otelo - biografia, fotos, filmes, novelas.

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Geysa Bôscoli

Geysa, Solange França e Marlene

Geysa Bôscoli (Geysa Gonzaga de Bôscoli), teatrólogo, escritor e compositor, nasceu no Rio de Janeiro-RJ, em 25/1/1907, e faleceu na cidade de Caxambu, MG, em 7/11/1978. Sobrinho da compositora Chiquinha Gonzaga, estudou no Colégio Alfredo Gomas e no Ateneu Boscoli, formando-se pela Faculdade de Direito do Rio de Janeiro, em 1927.

Ainda estudante, foi revisor do Jornal do Comércio e repórter do antigo O Imparcial, estreando como autor teatral em abril de 1927, no velho Teatro Lírico, do Rio de Janeiro, com a revista em dois atos Pó-de-arroz, representada pela Companhia Trô-ló-ló.

A partir dessa época, escreveu várias outras revistas, sainetes e operetas, para diversas companhias. Fundou as revistas Ouro Verde e Show, os semanários A Comarca e Correio de Blumenau, da Santa Catarina, além de participar de vários órgãos da imprensa carioca. 

Em 1945 inaugurou o Teatro Regina, hoje denominado Dulcina, com a comédia O grande barqueiro. Em 1940 Orlando Silva gravou na Victor seu fox-blue Naná, enquanto Francisco Alves gravava na Columbia o fox Céu e mar (ambas com Custódio Mesquita e Jardel Jércolis). 

Pioneiro, levou o teatro musicado aos bairros em caráter permanente, lançando em 1948, em Copacabana, o Teatrinho Jardel, que foi o primeiro teatro de bolso, explorando musicais. Recebeu, pela sua atuação nesse teatro de 1950 a 1952, dois diplomas e duas medalhas de ouro, que o consagraram como o Melhor Produtor de Teatro Musicado. 

Foi presidente da SBAT durante seis anos consecutivos, recebendo os títulos de conselheiro benemérito da Casa dos Autores, e escreveu as duas primeiras revistas radiofônicas—consideradas como padrão para espetáculos radiofônicos — Adão e Eva e Carioca da gema, esta de parceria com Jorge Murad, ambas transmitidas pela Rádio Nacional. 

Escreveu o livro A pioneira Chiquinha Gonzaga, edição particular. Entre suas produções para o teatro musicado figuram: O gato de botas, levada no Teatro Municipal; A barca da Cantareira e O que eu quero é rosetá (ambas com Luiz Peixoto), Canta, Brasil (com Paulo Orlando e Luís Peixoto), além de É de colher e Bota o retrato do velho. 

Fonte: Enciclopédia da Música Brasileira - Art Editora e PubliFOLHA.

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